Argaive
Warren Baird
Blanche's
Lulu Cabaretta
Jean Chainey
Marie-Carole Chartrand
Collette Coughlin
Danielle Demers
Robert Deschenes
Isabelle Dussault
Mélanie Fay
Marianne Girard
Yves Gontier

Yvon Goulet
Adriana Guiterrez
Jean-Pierre Jacques
Tommy Kalichack
Emmanuelle Laflamme
Chantal Laurin
Lipstik
Patrick Lonergan
Margotella
Tony Moriello
Newton Reece
Ouram St.Sophie

Patricia Pastore
Fidel Poncé Ccana
Micheline raymond
REM-X
NADine Samuel
Dominique Simard
Cedric Taillon
Julie Turconi
Gerard Vachez
Vid Vicious
Graeme Welch
Caroline Weltman

Court texte

"Argaive pratique la photographie depuis le début de l'adolescence et, étant toujours à la recherche de nouveaux thèmes, se tourna vers la photographie nu, érotique et fétichiste il y a de cela six ou sept ans.

Argaive produit des images qui sont pour la plupart simples et frappantes. Cela dit, de temps à autre il aime à inclure des détails subtils qui fera prendre au spectateur un deuxième regard plus attentif. Il préfère les couleurs vives et les contrastes accentués, et il aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs."

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"Argaive has been pursuing photography since early teen-age and, being always in search of new themes, turned to nude, erotic and fetish photography six or seven years ago.

Argaive for the most part produces simple and striking images. That said, from time to time he likes to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. He prefers punchy colours and strong contrasts, and he particularly enjoys working with creative lighting."

Démarche
On m'a demandé plus qu'une fois si mon but était de provoquer, voir même choquer les gens. Pas du tout. Je pense en images, et si je crois qu'une idée quelconque créera des images vraiment «cool», alors je l'applique. Toutefois mes images ne laissent personne indifférent.

Je ne me limite pas à un style ou un genre particulier. J'aime expérimenter avec de nouvelles idées et techniques et j'évite tant que possible de répéter un concept. Il me fais plaisir d'utiliser un style préalable pour un client privé quand on m'en fait la demande, mais je trouve inutile d'ajouter que du pareille au même à mon portfolio. C'est justement pour devlopper quelque chose de nouveau (nouveau pour moi, bien sûr) que j'a pris un virage vers la photographie de charme, de nu, érotique et fétichiste il y a maintenant quelques années.

Cela étant dit, je ne m'empêche pas de reprendre un concept si je crois pouvoir y ajouter du nouveau.

Je tiens à produire des images simples et frappantes, et j'aime ajouter de temps à autre des détails subtils qui peuvent provoquer un deuxième regard plus attentif. Pour la plupart, je travaille avec des couleurs vives et des contrastes accentués, et j'aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs.

Certaines de mes images semblent être saisies lors d'une histoire en cours. Parfois c'est voulu, et parfois ce ne l'est pas. Dans tous les cas, quand un spectateur en voit au-delà de mes intentions dans une de mes images, je crois bien avoir accompli mon but.

Artistic statement
I've been asked more than once if my goal is to provoke or even shock people. Not at all. I think in images, and if I believe a given idea will create really cool images, then I go with it. My images leave no one indifferent though.

I don't limit myself to one particular style or genre. I enjoy experimenting with new ideas and techniques and try to avoid repeating myself. I'm happy to oblige when a private client wants a look I've done before, but I see no point in adding just more of the same to my portfolio. In fact, I initially turned to boudoir, nude, erotic and fetish photography a few years ago in order to develop something new and different (to me, that is).
That being said, I don't treat that as a limiting factor either. If I feel I can add something new to a previous concept, then I won't hesitate to do so.

I want to produce simple and striking images, and from time to time I like to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. For the most part I work with punchy colours and strong contrasts, and I particularly enjoy working with creative lighting.

Some of my images seem to be a snapshot from a larger story. This is sometimes intentional, sometimes not. In any case, when a viewer sees more in one of my images than I myself intended, then I feel I've accomplished what I set out to do.

Dandelion Curves
Art numérique
Édition limitée de 30
20" x 30"
200$

Demarche / Artistic Statement

Warren Baird grew up in a rural area in Saskatchewan, and then moved to southern Ontario for formal training is in Mathematics and Computer Science - receiving a B.Math in Computer Science and Combinatorics and Optimization from the University of Waterloo. He's been living in Montreal for the last 7 years and has been informally studying and practicing photography and digital manipulation of images since moving to Montreal.

Warren's images are created by taking 3 or more original photographs with interesting textures and colours, and combining them digitally in a manner similar to multiple exposures. Other images are then incorporated into the frame similar in a technique similar to collage. He performs very minimal manipulations to the raw images, preferring to let their inherent colours and textures combine. He has previously displayed work in the Excentrik art show in Montreal.

Court texte
Blanche's en quelque mots Blanche's est le nom générique utilisé par notre famille. En effet, bien que les projets soient généralement produits et portés par le chef de la famille, la plupart des réalisations sont le fruit d'une vie à deux et dans certain cas d'une vie familial. Conscient que notre environnement est ce qui nous nourris et nous motive, ils nous serais difficile de considérer notre capacités créative sans tenir compte des individus faisant parti prenante de se processus. Dans le cas nous concernant, je puis vous garantir que la cellule familiale est belle et bien dû au manigance d'Éros...


Salon de la Séduction
Pour cet événement Blanche's vous propose quelques clichés sommes toutes minimalistes ainsi qu'une série tirée d'une recherche sur Marie, figure féminine énigmatique tragique et sensuel.

En détail
Projet Marie : Sujet emblématique chez Blanche's l'Abandon à marie ou une autre histoire à marie se situe entre BD et fusion numérique où une trame peut se dégager par l'errance à l'intérieur d'un des clichés. Jouant entre l'abstrait et le figuratif subjectif, il permet à l'observateur de créer ses propres sous-entendues. Chacun est donc libre de se faire sa propre idées sur Marie.

NB : Pour bien faire ressentir l'effet numérique, cette série doit être présentée sur écran ou par rétro-projection. L'un ou l'autre sera déterminé selon les besoin de l'exposant.

Alpha in lingerie : La féminisation du mâle n'est en rien ici le propos. Il s'agit d'esthétique en formes, textures et lumière où un des 2 éléments principaux, un objet conçu pour la femme, contraste avec l'autre élément, l'homme.

Femabstract : Jeu entre fond et forme, l'élément féminin donnant sens au reste de l'image

holing angel & falling feather : Cela va de soi....

Demarche
Le corps comme support de soi étudié par l’œil divers des médiums nous amènent à réfléchir l’esthétique des messagers par lesquels l’érotisme s’exprime. Art classique, performance, esthétisme relationnel, chaque forme révèle un angle de traitement du sujet et s’expose donc lui-même à l’observation. Ultimement, les Blanche’s sont ces manifestations analysant des manifestations traitant du sujet, le corps et ses environnement, manifestant Éros!

Dans le cadre du FAEM, les photos retenues traites autant de l’érotisme que du travail fait en chambre noir, angle, inversion, jeu des chimies, impression des négatifs, autant de façons d’aborder le sujet par des sujets.

Les Blanche’s sont instigateur de l’événement collectif pluridisciplinaire Érotiquer à Trois-Rivières (2006, 2008) et sont en préparation du prochain événement ÉrotiquerIII A.V. Thanatos qui aura lieu en Mai 2012, toujours à Trois-Rivières.

Artist statement
In the beginning, I started painting not for career but for therapy. I only wanted to express certain things that were stuck in my consciousness, many of these elements are still present today nearly 15 years later. The presence of the feminine in a very powerful and dominating expression is an underlying theme in most of my paintings. Man made Metal machine and weapons sometimes of a sci- type origin are juxtaposed with natural elements of nature and warm colors, and so Duality is also a strong present theme in my work.

Court texte

Jean Chaîney est né à Montréal et a grandi à Beloeil, en banlieue de Montréal. Artiste autodidacte, c'est à 18 ans qu'il découvre l'hyperréalisme et prit alors conscience de son talent pour le dessin en noir et blanc. Ce n'est qu'après 15 ans qu'il se lance dans la couleur, optant pour la peinture à l'huile qui convient mieux à son style.

L'expression des visages a occupé la première partie de sa création. Vient ensuite sa fascination pour la sensualité des corps opposant aux énormes structures des gratte-ciels. Le travail de longue haleine lui permet vraiment d'entrer dans le sujet. Chaque étape lui procure ses moments d'extase qui se renouvellent sans cesse. Notamment, en incorporant des effets visuels très stimulants. Doucement, il se dirige vers la nature tout en gardant son petit côté technique qui ne le lâche jamais. Sans oublier les structures flottantes qui jaillissent au-dessus des nuages, représentant le rêve. Le rêve de toujours se surprendre soi-même.

Demarche

Nu au coucher du soleil
Huile sur toile
24" x 18"
650$

Morpheus II, 2007
HuileToile
24"x24"
875$

Demarche

Pourquoi j'utilise la fibre pour m'exprimer? Le canevas au départ est une trame. Mon contact avec la fibre demeure jusqu'à la fin mon inspiration première. Le regard sur la fibre élargit et de ses concepts abstraits façonnent mon discours.

Et pourquoi le jaune? Le jaune est l'emblème de l'or! Elle évoque pour moi un trésor à protéger! La fibre jaune qui s'inscrit sur mes toiles symbolise la capacité de préserver! Par une intervention minimaliste de la fibre, elle ouvre le dialogue entre la fibre cardiaque et la fibre amoureuse. Elle nous renvoie à un message dichotomique qui ne tolère que les réponses, de rejet ou de compatibilité.

Fibre cardiaque, fibre optique, fibre musculaire, fibre textile, fibre de bois et la fibre amoureuse…

Elle se coeur, 2010
Acrylique sur toile
48" x48"
1440$

La cicatrice, 2010
Acrylique sur toile
20" x60"
1200$

Court texte

Thème comparatif entre le don d'organe et l'amour
Se donner…

Donner son cœur c'est de prendre la chance d'être rejeter. Perdre cette fibre si importante mais si fragile, est-ce matière à discussion? Ficelons d'abord l'argumentation en y implantant une trame. Le critère de qualité serait de première place dans l'harmonie des matières et la compatibilité tissulaire. Les greffes de tissus sont aussi envisageables. Considérant les conditions matérielles de mise en œuvre dans les limites du temps, l'urgence de la réalisation s'y impose.

Avant tout, il faut donner son cœur pour savoir s'il y aura compatibilité. Le résultat implique, des chances de succès au même titre que le rejet qui est une réalité ardu à accepter. Mais le taux de succès s'est accru de manière spectaculaire avec le temps! Permettez- moi de vous dire que l'on peut aussi survivre à l'amour!

Demarche

B3 muse3, 2007
Graphite sur papier
8''x11''
$250 encadré

Court texte

Danielle Demers has been a practising photographer for over ten years. Her education includes two years at Thompson Rivers University in Kamloops, B.C., and one year at the Western Academy of Photography in Victoria B.C.


Danielle has been involved in several silent auctions and gallery exhibitions. The pieces in this show are just a few of many.

Demarche

Demarche

Demarche

Isabelle Dussault a effectué un baccalauréat en composition instrumentale, à l'Université Laval. Elle fait actuellement une maîtrise en composition instrumentale et mixte à l'Université de Montréal.

Musicienne active, elle fait partie d'un quintette qui exécute ses propres créations. On a également pu entendre sa musique dans des courts métrages lors du Festival des films du monde (Montréal, 2007), du Festival des films Arabes (Montréal, 2007) et au Musée de la civilisation (Québec, 2007).

Elle s'intéresse également à la vidéo et à l'art numérique qu'elle présente lors d'événements ponctuelles tel qu'au Musée juste pour rire à l'été 2007.

Court texte
J’aime créer des objets de désirs ou l’essence, le sens propre, est dissimulé dans les détails. Précieuses et vivantes mes œuvres se construisent avec les éléments, symbolisés ou réels. Travaillant avec l’eau, le bois, l’or et le sang, j’exprime en images la beauté humaine, ces subtilités, désirs refoulés, vulnérabilités et l’amour.

I Love to create objects of desire where the essence, the true meaning is hidden in the details. Precious and living, my art pieces are made from the elements, true or symbolised. Working with water, wood, gold and blood. I express in images, the human beauty, its subtleties, restrained desires, vulnerabilities and Love.

Démarche Artistique
Je m’intéresse au passé comme élément de construction de l’avenir. Je peins sur différents supports, canevas, bois et autres, utilisant des médiums divers, comme l’acrylique, l’or, les papiers, les tissus et mon sang (qui symbolise pour moi, la vie). Je veux créer des œuvres précieuses et vivantes : des objets de désirs.

J’exprime la beauté humaine, ses subtilités, ses désirs refoulés, la vulnérabilité(s?) et l’amour. Œuvres complexes dans lesquelles une multitude de petits carrés, de textures et de matériaux renforcissent le symbolisme initial et ramènent l’attention à l’essentiel : apprendre à regarder au-delà des apparences. De ces compositions naissent une histoire, une émotion, un sentiment… un morceau de moi pris sur le vif.

Ce n’est que dans la totalité de mon œuvre que l’on peut me reconnaître et ressentir ma démarche dans sa complexité. Je revendique le droit d’être multiple, je suis mouvement, sans cesse en renouvellement. De nature inconstante, j’aime le changement et avec le courage de mes imperfections je tente de créer une connexion avec le public, de partager ma sensibilité, ma vulnérabilité et mon ouverture.

Dans une Confusion entre les univers subjectifs et objectifs et au-delà du point de vue, il reste quelque chose d’invisible, de magique et d’attirant. Je pose un questionnement sur le rapport que l’on entretient avec l’intimité et son importance dans nos vies.


Artist Statement
I am interested in the past as a mean to construct the future. I paint on different surfaces, canvas, wood and others, using different mediums, such as acrylic paint, gold, papers, fabrics and my own blood (as a symbol of life). I want to create precious but living pieces: objects of desire.

I express human beauty, its subtleties, its restrained desires, vulnerabilitie and love. Complex pieces in which a multitude of small squares, textures and materials reinforce the initial symbolism and bring back the attention to the essential: know how to look beyond appearances. From these compositions will spawn a story, an emotion, a feeling… a snapshot of myself.

It’s only in the wholesomeness of my work that we can recognize and feel my process in its complexity. I claim the right to be many: I am movement, always renewing myself. Inconstant Fickle-minded by nature, I like change and with the courage of my imperfections I try to create a link with the public, to share my sensitivity, my vulnerabilitie and my openness.

In a Confusion between the subjective and objective universes and beyond the point of view, lie something invisible, magical and attractive remains. I question relationship we have with intimacy and its importance in our lives.

Marianne Girard (MG) est une Montréalaise pour le plus lointain de ses souvenirs, mais en fait, elle est née à St-Alfred de Beauce le 26 avril 1984. Marianne a une formation en arts au cégep du Vieux-Montréal et à l’UQAM, ainsi qu’une formation en graphisme au collège Ahuntsic. Elle pratique la peinture acrylique depuis plus de 10 ans. Son sujet de prédilection est la femme et ses états d’âme. Elle emploie une touche de lignes très graphique, beaucoup de textures, des courbes étudiées et des contrastes forts. Elle est exposée entre autre au Miss Villeray, au Candy nail bar et au salon spa Oblic. Elle a fait sa première exposition solo en avril 2011.

Justice
Acrylique sur toile
36" X 60"
1200$

Vénusweb, 2011
Art numérique sur toile
20" x 8"
190$



Lune, 2011
Art numérique sur toile
22" x 16"
450$

Démarche

On dit d'Yves Gonthier qu'il est un alchimiste de la couleur. Avec ses créations il occupe plusieurs territoires : la figure humaine, la nature, l'abstraction. Cette mosaïque de sujets, de styles, de médiums, additionnée de recherches, de trouvailles, de reprises de thèmes compose l'édifice de son art. Il a réalisé des œuvres de très grands formats, que ce soit pour des projets personnels, des commandes privées ou publiques.

Une constante de ma démarche est cet esprit de recherche en arts visuels sur le thème de la transformation. L'arrivée du numérique représente pour lui une belle ouverture vers d'autres possibilités de création

Pour son apport remarquable à la vie artistique au Québec, Yves Gonthier fut le premier artiste en Gaspésie à recevoir, en 2003, le prestigieux Prix de la Création artistique du Conseil des arts et des lettres du Québec. Une de ses œuvres les plus connues est certainement la célèbre sculpture monumentale Le Cadre naturel (21 x 34 pieds ou 7 x 11 mètres) installée en permanence depuis 1995 sur la plage à Maria, dans la Baie-des-Chaleurs.

Sous la plume de Rose Sourie, on pouvait lire dans Vie des Arts en 2007 : ''Yves Gonthier trace des lignes qui le conduisent là où ses désirs l'emportent. Véritable modèle de détermination, Yves Gonthier illustre, à travers ses réalisations, le chemin à prendre pour accomplir nos rêves, pour épancher nos curiosités et pour graver les rencontres qui nous permettent d'exprimer nos parcours de vie ou de nous conduire vers nos desseins.

En 2009 et 2010, ses œuvres ont été vues à Toronto, Tokyo, Venise et Ponte Nossa (Italie).

Les trois œuvres présentées au Festival d'art érotiques de Montréal sont des créations infographiques. Celle intitulée Les atomes de l'existence a été exposée à Venise. Les deux autres, Vénus web et Lune sont des créations récentes montrées pour la première fois.

Sans titre
Acrylique sur toile
16" x 12"
250 $

Demarche
L'oeuvre d'Yvon Goulet fait partie des collections de plusieurs musées et organismes gouvernementaux au Québec, au Canada et à l'étranger.

Yvon Goulet préconise des techniques dérivées de l'informatique. Un des procédés proposé, la décalcomanie, est utilisée d'une façon aussi banale que des rajouts de pastel dans un dessin. L'utilisation de l'infographie et des dérivés photo-mécaniques par le biais de la décalcomanie deviennent des procédés picturaux comparables à ceux de l'estampe conventionnelle.

L'estampe traditionnelle regroupant la xilographie (bois gravé), l'intaglio (eaux-fortes), la sérigraphie et la lithographie. La décalcomanie de textes servant de trame dans la géographie d'un visage, permet des superpositions iconographiques autorisant une lecture aussi bien sémantique qu'iconographique.

De même que le débordement d'informations résultant de la surimpression, rétablit un intérêt aux textures composantes de la facture du tableau, amenant une lecture sur la "planéité" de l'oeuvre.

Il y aurait certainement un parallèle à faire entre les possibilités de reproduction photo-mécanique et infographique en relation avec le malaise engendré par les possibilités de clonage et de manipulation génétique.

La série des Madonnes à l'enfant questionne ce dilemne. Ces Madonnes contemporaines témoignent d'une culture vidéo-clip, spécialisée, instantanée, manipulée ethnomogénéisée par les possibilités de manipulations de reproduction.

Que les questions touchent le domaine de l'art visuel ou de la génétique, le dilemme soulevé reste le même.

(D'après un texte de l'artiste )

Yvon Goulet exprime la vie gaie de Montréal sur des panneaux recyclés. Yvon Goulet est un artiste gay québécois qui vit et travaille à Montréal. Il est diplômé en art de l'Université du Québec en Outaouais. Depuis 1986, il expose régulièrement dans de nombreux pays dont le Canada, la France, la Corée, la Bulgarie, l'Autriche, le Japon, la Belgique, la Bosnie Herzegovine et l'Espagne.

La particularité d'Yvon Goulet est qu'il peint sur des panneaux en polyester qu'on utilise au Québec pendant les campagnes électorales. Il arrive ainsi souvent qu'on puisse reconnaître en filigrane dans ses tableaux des mots en français qui proviennent des slogans des divers partis politiques.

Yvon Goulet est souvent présenté comme un " historien visuel ". Il trouve son inspiration dans le Village de Montréal et illustre les événements culturels et festifs de la communauté gaie. Il exprime le quotidien et met en scène le corps masculin. Dans ses œuvres, il représente les symboles, les uniformes et les fantasmes qui sont propres à la culture gaie. Il rend ainsi accessibles à tous des personnes, des situations et un imaginaire en général peu connus du grand public.

Yvon Goulet expresses the gay life of Montreal on recycled panels. Yvon Goulet is a québécois gay artist which lives and works in Montreal, graduated in art at the University of Québec in Outaouais. Since 1986, he exposes regularly in many countries of which Canada, France, Korea, Bulgaria, Austria, Japan, Belgium, Bosnia Herzegovina and Spain. The characteristic of Yvon Goulet is that he paints on polyester panels which one uses in Québec during the election campaigns. It thus often arrives that we can recognise in filigree in his art work French words issued from slogans of the various political parties.
Yvon Goulet is an " urban folklorist ". He finds his inspiration in the Village of Montreal and illustrates the cultural events and festive of the gay community. He expresses daily reality and feature the male body. In its works, he represents the symbols, the uniforms and fantasies which are specific to the gay culture. In so doing, he takes situations and imagery reserved for the few and makes them accessible to all.

Yvon Goulet expresa la vida gay de Montreal sobre carteles reciclados. Yvon Goulet es un artista gay quebequense que vive y trabaja en Montreal. Es diplomado en arte de la universidad de Québec en Outaouais. Desde 1986, expone regularmente en numerosos países, entre ellos, Canadá, Francia, Corea, Bulgaria, Austria, Japón, Bélgica, Bosnia Herzegovina y España.

La particularidad de Yvon Goulet es que pinta sobre pancartas de poliéster utilizadas en Québec por las campañas electorales. Por lo que muchas veces podemos reconocer en filigrana en sus cuadros palabras en francés que provienen de los sloganes utilizados por los partidos políticos. Yvon Goulet es a menudo presentado como un " historiador visual ". Encuentra su inspiración en el barrio gay de Montreal e ilustra los eventos culturales y festivos de la comunidad gay. Exprime el cotidiano y mete en escena el cuerpo masculino. En sus obras, el artista representa los símbolos, los uniformes y las fantasías que son propias de la cultura gay. Hace de esta manera a todos accesible, personas, situaciones, y un imaginario en general poco conocido del gran publico.

Yvon Goulet drückt das fröhliche Leben von Montreal auf wiederverwendeten Brettern aus. Yvon Goulet ist ein Künstler gay aus Quebec, der lebt und in Montreal arbeitet. Er ist in Kunst der Universität von Quebec diplomiert davon Outaouais. Seit 1986 legt er regelmäßig in zahlreichen Ländern dar, darunter Kanada, Frankreich, Korea, Bulgarien, Österreich, Japan, Belgien, Bosnien Herzegovina und Spanien.
Die Besonderheit von Yvon Goulet ist, daß er auf Brettern aus Polyester malt, die man in Quebec während der Wahlkampagnen benutzt. Er kommt so oft an, daß man in Filigran in seinen Tabellen Wörter in Französisch anerkennen kann, die aus den Slogans der verschiedenen politischen Parteien stammen.

Yvon Goulet wird oft als ein "sichtlicher Historiker" vorgestellt. Er findet seine Inspiration im Dorf von Montreal und illustriert die kulturellen und festlichen Ereignisse der fröhlichen Gemeinschaft. Er drückt die Tageszeitung aus und stellt in Szene den männlichen Körper. In seinen Werken stellt er die Symbole, die Uniformen und die Trugbilder, die der fröhlichen Kultur eigen dar sind. Er macht allem von den Personen, Situationen und erdacht es im allgemeinen wenig bekannt von der breiten Öffentlichkeit so zugänglich.

Court texte

Disparos de amor
Photographie sur papier
11" x 14"
200

Demarche

Demarche

Court texte

Démarche

Mon nom est Andrew Thomas Kalichack , mais tout le monde m'appelle Tommy. Je suis un artiste, auteur et poète, et c'est ma biographie en bref. En résumé c'est ainsi que je me présente, parce que je voudrais que mon art en disent long. J'ai grandi dans une période de transition pour l'imagination: En 1977, j'avais 7 ans, et qui luttent à travers une note (déjà retenu à titre de dyslexiques non identifiés) , mais tout ce qui comptait pour moi, c'était un film appelé Star Wars et les jouets qu'elle offrait. C'est toute ma jeunesse dans une phrase, et à suivre, c'est ma vie en un seul paragraphe.

Mon imagination a été déclenché à la naissance, je pense, j'ai de vagues souvenirs d'être très jeunes et tous ces souvenirs semblent terriblement irréel; Ou du moins, créé par mon propre bricolage avec la réalité - Ness. A ce jour, j'imagine / rêver des choses tout le temps, je ne peux pas l'éteindre; visuels, des sons, des inondations toute arcs histoire dans ma tête. Je suis constamment distrait et dois me forcer à se concentrer sur la vraie vie, au pire c'est au hasard des images claires qui existe dans une forme parfaite pour un battement de cœur, puis les réformes en quelque chose de totalement différent... Comme le changement de chaîne sur un téléviseur avec les chaînes infinies. Maintenant, me place dans le monde d'aujourd'hui, dans un monde de chaînes de télévision et de canaliser les new-âge. L'art est un soulagement pour moi , une aiguille dans le système vasculaire de mon imagination. Un voyage que je l'intention de prendre avec vous tous qui ont été long pour le tour avec moi. Par les voies infinies et l'acheminement.

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My name is Andrew Thomas Kalichack, but everyone calls me Tommy. I am an artist, author and poet, and this is my biography in brief. In summary is the way I present myself, because I like to let my art speak volumes. I grew up in a transitional time for imagination: In 1977 I was 7, and struggling through grade one (already held back as a unidentified dyslectic), but all that mattered to me was a movie called Star Wars and the toys it offered. This is my youth in one sentence, and to follow is my life in one paragraph.

My own imagination was sparked off at birth I think, I have vague memories of being very young and all of those memories seem terribly unreal; Or at least created by my own tinkering with reality-ness. To this day I imagine/daydream things all the time, I can't turn it off; Visuals, sounds, whole story arcs flood through my head. I am constantly distracted and have to force myself to focus on real life, at worst it's random clear imagery that exists in perfect form for a heartbeat, then reforms into something totally different... Like changing channels on a TV with infinite channels. Now place me in the world of today, in a world of TV channels and new-age channelling. Art is a relief to me, a needle into my imagination's vascular system. A trip I intend to take with all of you that have come along for the ride with me. Through infinite channels and channelling.

Emmanuel Laflamme was born in 1984 in Montreal. A self-taught artist, he works mainly as a designer on cartoon shows for television, but he has also been involved with the advertising, movie and gaming industries. He started posting art online in 2007 under the nickname Quartertofour. As his works were re-posted and shared by an increasing number of followers, offers for exhibitions and publishing piled up, forcing him to transition from the web to the real world. He currently works on a series of paintings and installations based on his concepts.

Demarche

Demarche

Démarche
L’œuvre, l’artiste et le spectateur sont les 3 composants du monde de l’art, mais quel est leurs rôles, leurs fonctions? Je m’intéresse aux rapports entre eux, ce qu’ils s’apportent mutuellement. Plus particulièrement, j’aborde la fonction thérapeutique qui est autant présente entre le spectateur et l’artiste, l’œuvre et le spectateur, puis l’œuvre et l’artiste. Ce sont ces dualités qui m’inspirent à la base, c’est à partir de cette interrogation et de l’aspect thérapeutique qui en découle que je développe des concepts. Ensuite, le processus artistique ce déclenche : comment représenter ces idées, quel matériaux choisir et pourquoi?

À force de réflexion sur le rôle de l’art, autant dans ma pratique, que dans celle de nombreux artistes que j’ai vue et étudiée, j’ai constaté que la fonction thérapeutique est majoritairement présente. Ceci est tout aussi vrai pour le spectateur qui vît l’œuvre. Cette fonction de l’art fait partie de ma problématique et m’emmène à penser l’œuvre comme une expérience sensorielle basée sur la perception et la libération d’affects. Par différents moyens, je tente d’intégrer le spectateur à l’œuvre, en le faisant participer activement ou passivement, que ce soit par la peinture, la sculpture, la photo ou la vidéo. Je tends davantage vers la multidisciplinarité afin de créer une expérience multi sensorielle.

En outre, ma motivation à créer est a priori personnel, c’est un besoin. Ce qui prédomine dans ma démarche, est la création d’une expérience intégrant le spectateur et la volonté de véhiculer des émotions et de jouer avec la perception en utilisant différents procédés, matériaux et thématiques. En observant l’ensemble de mes œuvres, le tout peut sembler hétéroclite, étant donné la diversité des matériaux et thématiques. Par contre, on se rend compte qu’il y a une ligne directrice : l’intérêt pour la psychologie, la dualité, la perception et pour le spectateur, qui se retrouve au centre de ma problématique.

Shark-Girl, 2011
Cadre plexiglass
22.375" x 34"
120 $

Démarche

Time to flirt
Art numérique
30" x 20"
120$

For Love
Scan Art
30" x 20"
150$

Touch me 2011
Popart poster
60 x 95 cm
550 $

Marylin Wired, 2011
Popart poster
60 x 95 cm
550 $

Margotella Touch me, 2011
Popart poster
60 x 95 cm
550 $

Begging will get you no where
Art numérique sur toile
26" x 16"
350 $

RJ Newton is an erotic and fetish photographer, based out of Atlanta, GA – USA. Originally from England, he immigrated to the United States as a young boy with his family back in 1983. Growing up in Northwest Florida, he enjoyed art class in school, but had no idea that one day he would pursue his artistic goals in the realm of photography.

RJ Newton has been photographing erotic and fetish since first capturing bondage expert Mistress Midori in a live performance at the now defunct Chamber Club of Atlanta in 2003. He strives to capture the beauty of fetish, and the dynamic between top/bottom, dominant and submissive. He prefers to create dream-like images that are far away from reality. He loves to use colour boldly wherever he can. He hopes to continue to grow and evolve as a photographer learning and practicing new techniques when he has opportunity to do so.

RJ Newton’s work has been seen at numerous Atlanta based shows, the Dirty Show in Detroit, The Art of Kink exhibit at Fetishcon in Tampa, Florida, and he is also the curator of the Ikaros Art Collective. Conceived in 2008, the goal of the Ikaros Art Collective is to promote the best of the erotic & fetish photography genres by giving artists a venue to show their work to the masses. Pan-sexual in nature, this exhibit and online sales gallery strives to show and include the many facets of beauty in human sensuality. The goal is to make people think, and RJ Newton strives to push the boundaries of what erotic & fetish photography is evolving into.

RJ Newton has also shown his work and was the curator for the fetish photography exhibit at Club 1763 in Atlanta for its annual Atlanta Bound event for 2008 and 2009. He has also exhibited at and enjoyed the role of co-curator at two previous Atlanta fetish photography exhibits - "Behind Closed Doors" in 2007, and "Controlled Seduction" in 2006.

Poème de l'artiste

Si j’étais une femme,
le mont consacré à Vénus serait si haut,
et ses parois de silice si pures,
qu’aucun alpiniste ne saurait le conquérir.
Au plus dense de sa chaude forêt,
une clairière parsemée de diamants
abriterait l’accès du temple
dont je serais la vestale.

Au coeur de ce temple, j’animerais
un brasero de flammes riantes
qui lècheraient tes plumes sans les bruler,
et qui enflammeraient l’essence de tes sens,
ce jour béni où tu atteindrais
ce nid qui n’attendrait que toi,
ô phénix!

Si j’étais une femme,
jamais je ne serais la femelle d’un homme,
mais, si tu le voudrais* bien, je t’aiderais
à préparer le philtre qui ferait de toi
mon homme,
je t’aiderais à lisser tes plumes avant ton envol
pour me rejoindre, alors je deviendrais enfin
ta femme,
ô cygne que j’espèrerais.

Si j’étais une femme,
Hercule pourrait me tuer,
mais il ne pourrait jamais me prendre.

Si j’étais une femme,
tu m’appellerais Amazone.

*note de l’auteur : formulation intentionnelle

Leda appelant le cygne
Bronze
1700 $

La sculpture est mon écriture. J'exalte l'amour en tous ses états, ce sont mes sculptures framboises. Je torée ses avatars, ce sont mes sculpture avanies. Sculptures philosophales, car la pierre philosophale n'est qu'un mythe... mais elle existe! Nous l'avons tous au tréfonds de nous: c'est notre cœur de petit enfant: c'est lui qui transforme tout ce qu'il touche en or. Mais si les petits enfants sont des anges, nous sommes des hommes et des femmes; La vocation de l'homme, c'est la femme, et réciproquement. Je suis né sculpteur, mais j'ai mis un certain temps à m'en rendre compte, Mon matériau de prédilection est le métal coulé (principalement par la "cire perdue") or, argent ou bronze, mais surtout le bronze, en petit format, réalités obligent.

La venus de Mars (petit model)
Bronze
130 $

L'éternel féminin
Bronze
1200 $

Court texte

Cancan 2
Cancan

L’érotisme rencontre l’art (Legs)

Dans les œuvres de Patricia, l’érotisme rencontre l’art en jouant avec la couleur et la répétition.
En épluchant l’image couche par couche : les vêtements, la couleur de la peau, la culture et la tradition, elle transforme le corps de manière surréaliste, afin qu’on le perçoit comme un objet d’art résultant de sa forme et sa beauté.
Chaque couleur dévoile un état et une émotion spécifique. En répétant le même sujets, mais avec des couleurs différentes, on change la perception du spectateur et les émotions qui en dégage. Le mélange de différentes couleurs crée une émotion unique, un état spécifique à l’image où l’on perçoit, dans les œuvres de Patricia, des corps nus se transformant en autre chose qu’un simple objet d’excitation.

Démarche
Patricia Pastore crée des images minimalistes et élégantes. Elle fait le portrait de ses sujets avec une clarté visuelle que seule la caméra peut nous dévoiler. Elle capte, tout simplement, l’invisible.
En studio ou ailleurs, Patricia transforme, avec sa caméra, notre perception de la réalité, elle nous révèle une autre dimension qui peut être perçue de milles et une façon par les spectateurs; ce sont des images très subjectives. Elle nous présente des images d’une manière non conventionnelle et transforme le référent, afin de nous transmettre une œuvre qui va au-delà de la réalité.
Donnant tout son temps au monde de l’art, Patricia travail depuis sept ans sur la production d’un film indépendant et depuis trois ans, elle est photographe professionnelle à Munich, à Londre. Son dernier film «Loneliness never walks alone» a gagné un «Award». Il a été dirigé pas Roland Reber. L’équipe de «WTP international» on fait jouer ce film en première au prestigieux «Fantas Porto, film festival» (Portugal), en Mars 2008 au «Cannes film market» (France), puis au «Festival international de cinema de Catalunya» (Espagne). Finalement, du 8 au 19 octobre 2008, il a été projeté au «Festival du nouveau cinéma de Montréal» www.nouveaucinema.ca
Aujourd’hui elle prépare la seconde partie de la trilogie de photographies «Beauty beyond death» en lien avec la prochaine production cinématographique «The dirty bit of life».

Ccana Fidel Ponce Al lado de Marie-B II Techniques mixtes
92 x 76 cm
2 500$

Demarche
Ma thématique est : " Le rythme dans la création ". Je suis sculpteure de formation et mon besoin d'avoir du relief est viscéral. Que je peigne ou sculpte c'est toujours le geste qui façonne, qui me guide. Pour moi, peindre ou sculpter c'est élaborer une forme de danse en espace et en couleur. L'acrylique est appliqué en minces couches successives. J'utilise les glacis et la transparence pour donner les effets de profondeur ou de lumière désirés et faire ainsi vibrer la surface de mes tableaux.

Que ma peinture soit gestuelle ou plus figurative, ma motivation est de traduire à ma façon les mystères de la vie et de redonner au quotidien son espace et sa belle simplicité. J'utilise les textures de façon gestuelle ou contrôlée, tantôt sagesse du geste ou de l'expérience acquise, tantôt pâte qui devient danse ou folie fantastique de la matière. Je tente de créer dans mes espaces une symbiose resplendissante de lumière et de paix, de grâce et de plénitude.

Artist Statement
Even at a very young age, REM-X was a disciple of art; he spent the majority of his time drawing. Soon after receiving his Bachelor of Industrial Design and earning a special university award, Hype1 Magazine introduced him as a multi talented Art Designer and Art Director. He was all of 26 years old. But it’s in the field of body painting that REM-X mostly devoted his creativity and founded his company using his artist name REM-X, a name that reflects REM-X’s philosophy as he does not pretend to reinvent the notes. For him, painting is like remixing a melody. Not surprising then that REM-X won third prize at the 2007 International Body Painting contest, Color Mundo, recently held in Montreal and also a third place in 2008 at Face and Body Art Convention in Orlando. Since then, organizations from many major cities, including New York, Los Angeles and Toronto, have shown more interest in his work.

REM-X proudly participated to many events like a fund raising for the Red Cross of Canada, launching of magazine Montreal Recommends at hotel Le St-James, Bal Érotique, festival Osheaga, Tattoo Convention of Montreal, car show SCP, several imposing evenings, movie, videos clip, etc...

Demarche
À l’âge ou la plupart des enfants gazouillent, REM-X était à son apprentissage du dessin, ainsi très jeune il est devenu un disciple de l’Art. Fidèle à son destin, il recevra son Baccalauréat en design industriel et une distinction spéciale de son université. Hype1 Magazine l'introduit au panthéon des Artistes tel un multidisciplinaire dans le domaine de l’art et du design alors qu’il a seulement 26 ans. Mais c’est dans le domaine du Body Painting qu’il fonde la majorité des activités de sa compagnie avec le nom REM-X. Pour lui, peindre c’est comme composer une mélodie, si bien qu’il n’a jamais eu la prétention d’inventer les notes, il réinvente à sa manière en créant des œuvres uniques. Pas étonnant qu’il a déjà gravi la première marche du podium pour se mériter le troisième prix au concours International de Body Painting, Color Mundo, tenu à Montréal pour l’édition 2007 et aussi une troisième place en 2008 au Face and Body Art Convention d'Orlando. Il en résulte que des organismes de prestigieuses villes telles New York, Los Angeles et Toronto le sollicitent pour lui octroyer des contrats.

REM-X a fièrement participé à de nombreux événements comme une levée de fonds pour la Croix Rouge du Canada, le lancement du magazine Montreal Recommends à l’hôtel Le St-James, le Bal Érotique, le festival Osheaga, la Convention de Tattoo de Montreal, Le salon de l’auto SCP, plusieurs soirées grandioses, des tournages, des vidéo clip, etc…

NADine Samuel Artiste visuelle pluridisciplinaire, la peinture et la musique sont au coeur de ma démarche artistique. Native de Québec et présentement établie à Montréal, je consacre le plus clair de mon temps à ma production d'acryliques et de techniques mixtes sur canevas et matières recyclées. Parallèlement, j'élabore, conçois et prends part à différents évènements culturels multimédias. Entre autre au sein du collectif multimédia 33TOURS en collaboration avec l'agence TOPO et de mon ''band'' QUI DORT NADINE, la performance et la peinture sont mes médiums de prédilection pour exprimer et transmettre mes émotions.

La peinture en direct que je pratique fréquemment accentue l'importance de mon rapport aux lieux, à l'espace où l'action est posée, aux actions-réactions que le contact avec les gens engendre. Une centration s'installe, circonstancielle, et, c'est ce condensé d'énergie brute que je transpose sur mes toiles. Mon travail s'articule aussi sur l'axe des sons, des paroles émanant du contexte, de la musicalité ambiante ou orchestrée. Je m'approprie les rythmes et les traduis en ondes, en vibrations visuelles et sensorielles.

Je crois dur comme fer que l'art sous toutes ses formes embaume et fait diversion au morne qui guette chaque instant. J'endosse viscéralement différentes causes sociales et participe à différents encans-bénéfices et prestations dont les fonds amassés contribuent à résoudre différents problèmes sociaux majeurs à la source.

Démarche

Démarche
Quel que soit le médium, je cherche avant tout à capter l’essence de mon sujet, que je traduis ensuite dans des œuvres brutes, épurées et vibrantes, qui sont l’expression même du Qi, ce souffle de vie présent dans toute chose. Mes œuvres se veulent des instantanés organiques qui, tels des haïkus visuels, nous ramènent à la brièveté de l’existence et à sa beauté intrinsèque et lumineuse. Des œuvres qui invitent à RESSENTIR.

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Julie Turconi est une écrivaine plusieurs fois publiée, également poète, conteuse-effeuilleuse de vie et artiste visuelle (photographie, dessins au fusain, peinture).
Elle se plaît à saisir des petits instants de vie, des moments sans importance, si éphémères qu’ils en deviennent précieux. Pratiquante assidue d’arts martiaux, elle rend aussi hommage, à travers ses œuvres, à l’énergie primordiale : le Qi.

About the artist
Gérard Vachez is a fine artist who works in photography, drawing and painting. His work has been exhibited in Europe, the United States, the Caribbean, and several African countries.

Vachez is the winner of a 1989 AGFA prize for creative photography. In 1986, Traits magazine awarded him a prize for best animated card. His work has been published and reviewed in prestigious French and American magazines, including Estilos De Vida, Collector, Traits and Vis A Vis.

Early in his career, Vachez won a commission from the French government to organize the Bujumbura Cultural Center in Burundi, Central Africa. Burundi proved to be a powerful source of inspiration for the young artist’s first black and white photo exhibit, a show that later traveled to Rwanda and Zaire. Africa was the stepping stone to a successful artistic career in Burundi, Guadeloupe, and the United States.

In 1986, Vachez settled in Paris where he opened the “Vue du Pont” art studio. His work soon garnered attention and attracted an exclusive clientele. His first Parisian photography exhibit was held at the Bip gallery. Two more shows followed. In 1995, the artist relocated his studio to the French West Indies.

It was in Guadeloupe that Vachez met Miami nightlife impresario Michael Capponi. Fascinated by the artist’s vision, Capponi brought him to South Florida, where Vachez founded his creative studio, Xposure Advertising.

Over the years, Vachez has worked with eminent magazines and newspapers worldwide, including Vogue, Le Book and Ocean Drive Magazine. Vachez’s masterful technique in illustration, painting and photography has been seen in numerous advertising campaigns for Airbus, L’Oréal, the Paris Opéra, Ralph Lauren, and numerous other commercial clients. His artwork has graced the cover of compact discs and record albums for recording stars Murray Head, Nicole Henry, Carole Serrat, Laurent Stopnicki, The Specialists and others.

Vachez holds a degree in fine arts and graphic design from the University of Paris I, the Sorbonne, and has extensive expertise in painting, sculpture and photography. The native of France settled in Miami in 1999, where he lives with his wife and business partner Cathy Vachez.

CBT2, 2010
Photo sur papier
30" x 20"
800 $

CBT,2010
Photo sur papier
30" x 20"
800 $

Graeme Welch is a Montreal artist. His paintings are intense and and luminous scenarios that attract and entice the viewer into a complex and allegorical vision of human frailty. Vibrating with intense and exuberant color, familiar places and events are subtly twisted into disturbing images that probe deeply into the human condition. Humor, nostalgia and eroticism are ruthlessly manipulated to force the viewer into a disturbing meditation on their own memories and desires.

Demarche

Artist statement
Carolyn Weltman has exhibited her unique pieces worldwide and has received acclaim for her many solo shows in New York and Europe. Her work has been auctioned by houses such as Christie's, Sothebys and Philips de Pury and surveyed in documentaries and television shows such as City TV and most recently, David Fine's Sex Art. She has been widely published by both American and European presses (for example, Penthouse Magazine International; Maxim Jakubowski's Mammoth Series, Cupido). Her work is collected by both individuals of note and museums, including among the latter the Kinsey Institute Collection of Erotic Art and the Tom of Finland Museum. She has also been a featured artist at the New York Museum of Sex. Carolyn is a proud member of Idiosynchronism, a group of international artists who proudly claim in their manifesto that their purpose is mischief. Carolyn was recently a juror for Erotic Signature's The World's Greatest Erotic Art of Today, Vol. 3. Carolyn lives and works in New York City.