Collet
Photo numérique sur papier
Edition limitée de 100
24" x 30"

"Argaive pratique la photographie depuis le début de l'adolescence et, étant toujours à la recherche de nouveaux thèmes, se tourna vers la photographie nu, érotique et fétichiste il y a de cela six ou sept ans.

Argaive produit des images qui sont pour la plupart simples et frappantes. Cela dit, de temps à autre il aime à inclure des détails subtils qui fera prendre au spectateur un deuxième regard plus attentif. Il préfère les couleurs vives et les contrastes accentués, et il aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs."

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"Argaive has been pursuing photography since early teen-age and, being always in search of new themes, turned to nude, erotic and fetish photography six or seven years ago.

Argaive for the most part produces simple and striking images. That said, from time to time he likes to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. He prefers punchy colours and strong contrasts, and he particularly enjoys working with creative lighting."

Démarche
On m'a demandé plus qu'une fois si mon but était de provoquer, voir même choquer les gens. Pas du tout. Je pense en images, et si je crois qu'une idée quelconque créera des images vraiment «cool», alors je l'applique. Toutefois mes images ne laissent personne indifférent.

Je ne me limite pas à un style ou un genre particulier. J'aime expérimenter avec de nouvelles idées et techniques et j'évite tant que possible de répéter un concept. Il me fais plaisir d'utiliser un style préalable pour un client privé quand on m'en fait la demande, mais je trouve inutile d'ajouter que du pareille au même à mon portfolio. C'est justement pour devlopper quelque chose de nouveau (nouveau pour moi, bien sûr) que j'a pris un virage vers la photographie de charme, de nu, érotique et fétichiste il y a maintenant quelques années.

Cela étant dit, je ne m'empêche pas de reprendre un concept si je crois pouvoir y ajouter du nouveau.

Je tiens à produire des images simples et frappantes, et j'aime ajouter de temps à autre des détails subtils qui peuvent provoquer un deuxième regard plus attentif. Pour la plupart, je travaille avec des couleurs vives et des contrastes accentués, et j'aime particulièrement travailler avec des éclairages créatifs.

Certaines de mes images semblent être saisies lors d'une histoire en cours. Parfois c'est voulu, et parfois ce ne l'est pas. Dans tous les cas, quand un spectateur en voit au-delà de mes intentions dans une de mes images, je crois bien avoir accompli mon but.

Artistic statement
I've been asked more than once if my goal is to provoke or even shock people. Not at all. I think in images, and if I believe a given idea will create really cool images, then I go with it. My images leave no one indifferent though.

I don't limit myself to one particular style or genre. I enjoy experimenting with new ideas and techniques and try to avoid repeating myself. I'm happy to oblige when a private client wants a look I've done before, but I see no point in adding just more of the same to my portfolio. In fact, I initially turned to boudoir, nude, erotic and fetish photography a few years ago in order to develop something new and different (to me, that is).
That being said, I don't treat that as a limiting factor either. If I feel I can add something new to a previous concept, then I won't hesitate to do so.

I want to produce simple and striking images, and from time to time I like to include subtle details that will cause the viewer to take a second, closer look. For the most part I work with punchy colours and strong contrasts, and I particularly enjoy working with creative lighting.

Some of my images seem to be a snapshot from a larger story. This is sometimes intentional, sometimes not. In any case, when a viewer sees more in one of my images than I myself intended, then I feel I've accomplished what I set out to do.

Warren Baird

Dandelion Curves
Art numérique
Édition limitée de 30
20" x 30"
200$

Demarche / Artistic Statement

Warren Baird grew up in a rural area in Saskatchewan, and then moved to southern Ontario for formal training is in Mathematics and Computer Science - receiving a B.Math in Computer Science and Combinatorics and Optimization from the University of Waterloo. He's been living in Montreal for the last 7 years and has been informally studying and practicing photography and digital manipulation of images since moving to Montreal.

Warren's images are created by taking 3 or more original photographs with interesting textures and colours, and combining them digitally in a manner similar to multiple exposures. Other images are then incorporated into the frame similar in a technique similar to collage. He performs very minimal manipulations to the raw images, preferring to let their inherent colours and textures combine. He has previously displayed work in the Excentrik art show in Montreal.

D_Mauve, 2005
Techniques mixtes sur toile
20" x 48"
1540$

Démarche

Le visage est l'image de l'âme et les yeux, son interprète (Cicéron, 106-43 B.C.)

L’artiste Montréalaise Karine Bassal a toujours été fascinée par les yeux des gens. À travers l’histoire, les yeux ont toujours été considérés comme étant le miroir de l'âme. Un simple regard nous en dit long sur la personne, si elle est sincère ou mensongère, si elle est heureuse ou triste, si elle nous accepte ou nous juge. Mais plus fondamental que ceci est ce qu’un regard nous dit de nous-mêmes. Un regard, par la façon dont on le perçoit, peut nous donner confiance ou bien nous insécuriser. Cette ambiguïté est intégrale aux oeuvres produites par Bassal.

Sa série récente d’huiles sur toiles offre une tournure originale au portrait traditionnel. Seuls les yeux des sujets sont représentés. Elle se concentre exclusivement sur les yeux de femmes. Inspirés par l’Olympia d’Édouard Manet (1863), les regards intenses et directs remettent en question la relation entre l’objet et le sujet. Les toiles suivent et fixent les spectateurs qui les regardent inversant ainsi le rôle du regard. Le spectateur est aussi observé pendant qu’il observe. Son style photo-réaliste, caractérisé par une application soignée de couleurs, jumelé aux grands formats de ses toiles, amplifie l’impact des regards représentés.

Puisant ses sources de la culture populaire au début de son exploration de ce sujet, sa production courante devient plus personnelle et est dévouée uniquement aux femmes de son entourage – sa famille, ses amies ou des connaissances – qui lui sont une source d’inspiration. Suite au succès d’une exposition collaborative en avril 2007 à Montréal, Karine intensifie son exploration du regard féminin dans sa nouvelle série de toiles.

Lulu Cabaretta, born and raised in montreal, she studied fine Arts at Dawson college and Concordia University. She Started her career in painting, focusing mostly on oil and canvas, more recently she has been working with airbrush body painting and tattooing as well.

Démarche

In the beginning, I started painting not for career but for therapy. I only wanted to express certain things that were stuck in my consciousness, many of these elements are still present today nearly 15 years later. The presence of the feminine in a very powerful and dominating expression is an underlying theme in most of my paintings. Man made Metal machine and weapons sometimes of a sci- type origin are juxtaposed with natural elements of nature and warm colors, and so Duality is also a strong present theme in my work.

Jean Chaîney est né à Montréal et a grandi à Beloeil, en banlieue de Montréal. Artiste autodidacte, c'est à 18 ans qu'il découvre l'hyperréalisme et prit alors conscience de son talent pour le dessin en noir et blanc. Ce n'est qu'après 15 ans qu'il se lance dans la couleur, optant pour la peinture à l'huile qui convient mieux à son style.

L'expression des visages a occupé la première partie de sa création. Vient ensuite sa fascination pour la sensualité des corps opposant aux énormes structures des gratte-ciels. Le travail de longue haleine lui permet vraiment d'entrer dans le sujet. Chaque étape lui procure ses moments d'extase qui se renouvellent sans cesse. Notamment, en incorporant des effets visuels très stimulants. Doucement, il se dirige vers la nature tout en gardant son petit côté technique qui ne le lâche jamais. Sans oublier les structures flottantes qui jaillissent au-dessus des nuages, représentant le rêve. Le rêve de toujours se surprendre soi-même.

Nu au coucher du soleil
Huile sur toile
24" x 18"
650$

Eric Cossette, nawashi et photographe, est originaire de Trois-Rivières. Après des études en métier d'art, il se tourne vers la programmation informatique et s'installe à Montréal vers la fin des années 1990. C'est à cette époque qu'il devient nawashi (maître de cordes) et découvre le shibari, un art érotique japonais inspiré des techniques ancestrales de maîtrise de prisonniers.

Cossette se spécialise dans la suspension de corps pour la création de tableaux vivants destinés à la photographie ou à la performance live. Il est devenu au fil des ans un performeur reconnu sur la scène montréalaise par la finesse de ses cordages et la beauté de ses suspensions. Il a créé des tableaux pour les Rendez-vous du cinéma québécois, le Festival de la censure et divers événements fétiches.

High On Life
Photographie sur papier
Monotype
11" x 6,5"
80 $

Démarche

Les œuvres autobiographiques et intimes de Colette Coughlin poursuivent un double objectif, à la fois personnel et public : transformer la perspective négative de l'image de soi et contribuer à changer le regard collectif porté sur l'intimité et la sexualité.

En réaction à son aversion pour l'exploitation pornographique, et sans pour autant nier la dimension profondément humaine de la sexualité, Colette a développé sa propre approche de réconciliation avec l'intimité sexuelle qu'elle a intitulé " Intimographie ".

Ses dessins, réalisés à partir de ses propres photos, témoignent sans détour et sans masques de l'union intime vécue entre deux personnes, dans le respect de la vulnérabilité de chacun, et ce sans aucune intention d'exciter le spectateur.

En fait, son œuvre n'est érotique qu'au sens initial du terme, c'est à dire qu'en ce qu'elle se fait le porte-parole des manifestations de l'amour, et ce faisant de la beauté de la communion sexuelle, entre des adultes qui s'aiment tendrement et profondément.

B2 muse2, 2007
Graphite sur papier
8''x11''
250$ encadré

B3 muse3, 2007
Graphite sur papier
8''x11''
250$ encadré

B4 Lover1, 2009
Graphite sur papier
8''x12''
250$ encadré

Danielle Demers has been a practising photographer for over ten years. Her education includes two years at Thompson Rivers University in Kamloops, B.C., and one year at the Western Academy of Photography in Victoria B.C.

Danielle has been involved in several silent auctions and gallery exhibitions. The pieces in this show are just a few of many.

Démarche

Isabelle Dussault a effectué un baccalauréat en composition instrumentale, à l'Université Laval. Elle fait actuellement une maîtrise en composition instrumentale et mixte à l'Université de Montréal.

Musicienne active, elle fait partie d'un quintette qui exécute ses propres créations. On a également pu entendre sa musique dans des courts métrages lors du Festival des films du monde (Montréal, 2007), du Festival des films Arabes (Montréal, 2007) et au Musée de la civilisation (Québec, 2007).

Elle s'intéresse également à la vidéo et à l'art numérique qu'elle présente lors d'événements ponctuelles tel qu'au Musée juste pour rire à l'été 2007.

L'homme flou au sauna
Art numérique sur papier
5" x 14"

Don't Touch my Butt, 2009
Techniques mixtes sur toile
30" x 40"

J’aime créer des objets de désirs ou l’essence, le sens propre, est dissimulé dans les détails. Précieuses et vivantes mes œuvres se construisent avec les éléments, symbolisés ou réels. Travaillant avec l’eau, le bois, l’or et le sang, j’exprime en images la beauté humaine, ces subtilités, désirs refoulés, vulnérabilités et l’amour.

I Love to create objects of desire where the essence, the true meaning is hidden in the details. Precious and living, my art pieces are made from the elements, true or symbolised. Working with water, wood, gold and blood. I express in images, the human beauty, its subtleties, restrained desires, vulnerabilities and Love.

Artist Statement
I am interested in the past as a mean to construct the future. I paint on different surfaces, canvas, wood and others, using different mediums, such as acrylic paint, gold, papers, fabrics and my own blood (as a symbol of life). I want to create precious but living pieces: objects of desire.

I express human beauty, its subtleties, its restrained desires, vulnerabilitie and love. Complex pieces in which a multitude of small squares, textures and materials reinforce the initial symbolism and bring back the attention to the essential: know how to look beyond appearances. From these compositions will spawn a story, an emotion, a feeling… a snapshot of myself.

It’s only in the wholesomeness of my work that we can recognize and feel my process in its complexity. I claim the right to be many: I am movement, always renewing myself. Inconstant Fickle-minded by nature, I like change and with the courage of my imperfections I try to create a link with the public, to share my sensitivity, my vulnerabilitie and my openness.

In a Confusion between the subjective and objective universes and beyond the point of view, lie something invisible, magical and attractive remains. I question relationship we have with intimacy and its importance in our lives.

Démarche artistique
Je m’intéresse au passé comme élément de construction de l’avenir. Je peins sur différents supports, canevas, bois et autres, utilisant des médiums divers, comme l’acrylique, l’or, les papiers, les tissus et mon sang (qui symbolise pour moi, la vie). Je veux créer des œuvres précieuses et vivantes : des objets de désirs.

J’exprime la beauté humaine, ses subtilités, ses désirs refoulés, la vulnérabilité(s?) et l’amour. Œuvres complexes dans lesquelles une multitude de petits carrés, de textures et de matériaux renforcissent le symbolisme initial et ramènent l’attention à l’essentiel : apprendre à regarder au-delà des apparences. De ces compositions naissent une histoire, une émotion, un sentiment… un morceau de moi pris sur le vif.

Ce n’est que dans la totalité de mon œuvre que l’on peut me reconnaître et ressentir ma démarche dans sa complexité. Je revendique le droit d’être multiple, je suis mouvement, sans cesse en renouvellement. De nature inconstante, j’aime le changement et avec le courage de mes imperfections je tente de créer une connexion avec le public, de partager ma sensibilité, ma vulnérabilité et mon ouverture.

Dans une Confusion entre les univers subjectifs et objectifs et au-delà du point de vue, il reste quelque chose d’invisible, de magique et d’attirant. Je pose un questionnement sur le rapport que l’on entretient avec l’intimité et son importance dans nos vies.

Pink luxury two, 2008
Techniques mixtes sur papier
8" x 10"
150$

Juicy blue three, 2008
Techniques mixtes sur papier
8" x 10"
150$

Démarche

Inspired by mystic atmosphere, dark erotic playtime, subtle disturbance and nightmare reflections, Scott Ferry is an artist who uses contemporary techniques as well as traditional one such as drawing to create a unique world. His current series "Charnel Ground and Sickly Playthings" is a personal mythic world wrapped in metaphors, beautiful and painfully violent experiences, the sadistic, the masochistic and funny innuendos. The environment and people he meets place an important role in his work, influencing the story, the reality and the mystery.

The various elements of daily reality seen through the eye of the artist brings out and exaggerates the intense qualities of chaos, violence, pain, love, friendship, loss, sickness and laughter. Each character highlights these qualities through an animal or child side. So we violently play and fall apart and then we are reborn and are brought back to play again.

Each drawing is an original, hand created artwork using archival pigment ink, gel ink and Copic markers on Arches acid free paper. Frames are hand painted, black & gold antique finish, with little skeleton heads, octopus, bunny heads, and other "playtime" symbols.

Scott was born and raised in Los Angeles, growing up in the gothic and chaos orientated 80's. He has exhibited in solo and group shows in California, Arizona, Washington, and Quebec, Canada. His artwork traverses both traditional drawing and also the digital realm

Authority and agressive bottom, 2006
Acrylique sur coroplaste
36" x 96"
1600$

Sans titre
Acrylique sur toile
16" x 12"
250 $

Yvon Goulet expresses the gay life of Montreal on recycled panels. Yvon Goulet is a québécois gay artist which lives and works in Montreal, graduated in art at the University of Québec in Outaouais. Since 1986, he exposes regularly in many countries of which Canada, France, Korea, Bulgaria, Austria, Japan, Belgium, Bosnia Herzegovina and Spain.

The characteristic of Yvon Goulet is that he paints on polyester panels which one uses in Québec during the election campaigns. It thus often arrives that we can recognise in filigree in his art work French words issued from slogans of the various political parties.


Yvon Goulet is an " urban folklorist ". He finds his inspiration in the Village of Montreal and illustrates the cultural events and festive of the gay community. He expresses daily reality and feature the male body. In its works, he represents the symbols, the uniforms and fantasies which are specific to the gay culture.
In so doing, he takes situations and imagery reserved for the few and makes them accessible to all.

Démarche
L'oeuvre d'Yvon Goulet fait partie des collections de plusieurs musées et organismes gouvernementaux au Québec, au Canada et à l'étranger.

Yvon Goulet préconise des techniques dérivées de l'informatique. Un des procédés proposé, la décalcomanie, est utilisée d'une façon aussi banale que des rajouts de pastel dans un dessin. L'utilisation de l'infographie et des dérivés photo-mécaniques par le biais de la décalcomanie deviennent des procédés picturaux comparables à ceux de l'estampe conventionnelle.

L'estampe traditionnelle regroupant la xilographie (bois gravé), l'intaglio (eaux-fortes), la sérigraphie et la lithographie. La décalcomanie de textes servant de trame dans la géographie d'un visage, permet des superpositions iconographiques autorisant une lecture aussi bien sémantique qu'iconographique.

De même que le débordement d'informations résultant de la surimpression, rétablit un intérêt aux textures composantes de la facture du tableau, amenant une lecture sur la "planéité" de l'oeuvre.

Il y aurait certainement un parallèle à faire entre les possibilités de reproduction photo-mécanique et infographique en relation avec le malaise engendré par les possibilités de clonage et de manipulation génétique.

La série des Madonnes à l'enfant questionne ce dilemne. Ces Madonnes contemporaines témoignent d'une culture vidéo-clip, spécialisée, instantanée, manipulée ethnomogénéisée par les possibilités de manipulations de reproduction.

Que les questions touchent le domaine de l'art visuel ou de la génétique, le dilemme soulevé reste le même.

(D'après un texte de l'artiste )

Yvon Goulet exprime la vie gaie de Montréal sur des panneaux recyclés. Yvon Goulet est un artiste gay québécois qui vit et travaille à Montréal. Il est diplômé en art de l'Université du Québec en Outaouais. Depuis 1986, il expose régulièrement dans de nombreux pays dont le Canada, la France, la Corée, la Bulgarie, l'Autriche, le Japon, la Belgique, la Bosnie Herzegovine et l'Espagne.

La particularité d'Yvon Goulet est qu'il peint sur des panneaux en polyester qu'on utilise au Québec pendant les campagnes électorales. Il arrive ainsi souvent qu'on puisse reconnaître en filigrane dans ses tableaux des mots en français qui proviennent des slogans des divers partis politiques.

Yvon Goulet est souvent présenté comme un " historien visuel ". Il trouve son inspiration dans le Village de Montréal et illustre les événements culturels et festifs de la communauté gaie. Il exprime le quotidien et met en scène le corps masculin. Dans ses œuvres, il représente les symboles, les uniformes et les fantasmes qui sont propres à la culture gaie. Il rend ainsi accessibles à tous des personnes, des situations et un imaginaire en général peu connus du grand public.

Démarche
Je suis une artiste mexicaine de 29 ans. J'ai obtenu un baccalauréat en arts visueles de l'Université de Guadalajara en 2007. Je suis particulièrement passionné par la photographie, même si je travaille avec d' autres formes d'art aussi, comme la peinture et la sculpture.

Comme artiste j'aime m'exprimer, sans me limiter, en utilisant si nécessaire plusieurs disciplines artistiques et différentes techniques, pour ainsi obtenir une grande diversité de possibilité dans l'œuvre (ex: l'installation, le collage, le transfert).

Mon inclinaison vers la photographie s'oriente à divers types, étant plus fréquemment la photographie conceptuelle, l'abstrait et le portrait. Je m'intéresse beaucoup à la culture de mon pays, ses racines et ethnies; particulièrement la culture huichol, qui est un groupe indigène très fort qui conserve encore purement ses racines et coutumes.

Un autre des thèmes sur lequel j'aime m'exprimer artistiquement est la nature. Celle-ci faisant partie essentielle de notre expérience quotidienne comme être humain. Les couleurs présentes dans la nature attirent mon attention, ainsi que les textures, effets visuels et sensorielles qu'elle provoque. J'admire sa force et sa fragilité, me préoccupant aussi pour l'environnement et l'écologie.La dénonciation de différents thèmes politiques, religieux et sociaux qui affecte l'être humain revient fréquemment dans mes travaux. Tout comme la psychologies de l'homme et de ses comportements.

Succuba bathtub, 2010
Mixed media, 36" x 30"
600 $

Démarche

Mon nom est Andrew Thomas Kalichack , mais tout le monde m'appelle Tommy. Je suis un artiste, auteur et poète, et c'est ma biographie en bref. En résumé c'est ainsi que je me présente, parce que je voudrais que mon art en disent long. J'ai grandi dans une période de transition pour l'imagination: En 1977, j'avais 7 ans, et qui luttent à travers une note (déjà retenu à titre de dyslexiques non identifiés) , mais tout ce qui comptait pour moi, c'était un film appelé Star Wars et les jouets qu'elle offrait. C'est toute ma jeunesse dans une phrase, et à suivre, c'est ma vie en un seul paragraphe.

Mon imagination a été déclenché à la naissance, je pense, j'ai de vagues souvenirs d'être très jeunes et tous ces souvenirs semblent terriblement irréel; Ou du moins, créé par mon propre bricolage avec la réalité - Ness. A ce jour, j'imagine / rêver des choses tout le temps, je ne peux pas l'éteindre; visuels, des sons, des inondations toute arcs histoire dans ma tête. Je suis constamment distrait et dois me forcer à se concentrer sur la vraie vie, au pire c'est au hasard des images claires qui existe dans une forme parfaite pour un battement de cœur, puis les réformes en quelque chose de totalement différent... Comme le changement de chaîne sur un téléviseur avec les chaînes infinies. Maintenant, me place dans le monde d'aujourd'hui, dans un monde de chaînes de télévision et de canaliser les new-âge. L'art est un soulagement pour moi , une aiguille dans le système vasculaire de mon imagination. Un voyage que je l'intention de prendre avec vous tous qui ont été long pour le tour avec moi. Par les voies infinies et l'acheminement.

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My name is Andrew Thomas Kalichack, but everyone calls me Tommy. I am an artist, author and poet, and this is my biography in brief. In summary is the way I present myself, because I like to let my art speak volumes. I grew up in a transitional time for imagination: In 1977 I was 7, and struggling through grade one (already held back as a unidentified dyslectic), but all that mattered to me was a movie called Star Wars and the toys it offered. This is my youth in one sentence, and to follow is my life in one paragraph.

My own imagination was sparked off at birth I think, I have vague memories of being very young and all of those memories seem terribly unreal; Or at least created by my own tinkering with reality-ness. To this day I imagine/daydream things all the time, I can't turn it off; Visuals, sounds, whole story arcs flood through my head. I am constantly distracted and have to force myself to focus on real life, at worst it's random clear imagery that exists in perfect form for a heartbeat, then reforms into something totally different... Like changing channels on a TV with infinite channels. Now place me in the world of today, in a world of TV channels and new-age channelling. Art is a relief to me, a needle into my imagination's vascular system. A trip I intend to take with all of you that have come along for the ride with me. Through infinite channels and channelling.

Démarche
ASHe Levesque is an English Canadian Artist born in Arnprior Ontario, and presently living in Montreal, Quebec. He is a self taught and has been creating art since the early 90’s. His work has a broad range of styles. Acrylic on canvas and wood, or framed Photo-Art framed due to its 3d like quality. His love of the male and female form usually dominates his creative flow.

Installation





Série Packaging

Démarche
Electric Pin Ups & Acid Soda ! LIPSTIK, né en France en 1976 et actuellement basé à Montréal, mène depuis plus de dix ans des recherches graphiques inspirées de la Junk Culture et du Soft Porn. L’icône féminine, sujet central de son travail, évolue à travers un univers semi-fictif flashy et super-sexy, vision parallèle d’un monde pré-apocalyptique où volupté, vice et biens consommables ne font plus qu’un...

Emballages de fast food, vidéos déjantées, panneaux muraux thématiques, néons et objets en plastique détournés... Pinball, roller derby, voodoo…Luxe, décadence & fétichisme…

Issu de la culture street/skateboard et fortement influencé par le Pop art, le Punk, la science-fiction, LIPSTIK nous projette dans une esthétique rétro-futuriste au rendu visuel situé entre Art Nouveau et la peinture à l’aérographe de la fin des années 70.

Figure incontournable de l’underground montréalais, il met en évidence notamment, via un usage abusif du branding, l'attitude neutre, passive et contemplative d'une société en permanence soumise au "matraquage publicitaire".

Après quatre années consécutives de présence au Festival d’art érotique de Montréal, l’artiste a été retenu deux fois en 2009 et 2011, comme l’un des gagnants du concours international Erotic Signature associé à la tournée / exposition américaine Art Undressed ouvrant au World Erotic Museum of Miami.
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Electric Pin Ups & Acid Soda !

LIPSTIK, born in France in 1976 and now living in Montreal (Canada), has conducted graphic research inspired by Junk Culture and 70’s Soft Porn since 2000.

Female icons pose in a semi-ficticious, flashy, super-sexy pre-apocalyptic world where voluptousness, vice and consumable goods are one…

Fast food packaging, high voltage videos, thematic wall pannels, neon signs and fetishized plastic objects… Pinball, Roller Derby, voodoo, Luxury & decadence…

Issued from the Street / Skateboard Culture and highly influenced by Punk, Pop art and Sci-Fi, LIPSTIK projects us into a retro-futuristic aesthetic visually located between Art Nouveau and 80’s airbrush.

An iconographic figure of the Montreal underground scene, the artist mixes an abusive use of branding and adds a tint of cynicism, allowing a neutrally submissive and contemplative view of a society which is permanently being bludgeoned by advertising.

After exhibiting four consecutive years at the Erotic Festival of Montreal, LIPSTIK is for the second time a book’s winner at the International Erotic Signature contest as well as Art Undressed Exhibition Tour 2009 and 2011 opening at the World Erotic Art Museum of Miami.

Démarche

Si j'avais su dans quel monde j'arrivais, croyez-moi j'aurais tout fait pour rester dans le ventre de ma mère. Hélas, son corps en décide autrement, pour le meilleur ou pour le pire! C'est alors en 1983, dans la vieille Capitale que je vois le jour et que comme un chien, j'apprends à répondre au nom Patrick Lonergan.

Très jeune on m'initie à la musique (le violon à 4 ans!!!) et c'est là que mes parents ont commis leur première erreur. Désolé papa, désolé maman, je ne deviendrai jamais docteur, avocat, ou même ministre des affaires publiques. Je sombre dans un univers imaginaire, la musique prenant en otage mon attention. Au secondaire, je suis plus que jamais dans la lune et cruellement désintéressé par le bourrage de crâne académique, qui selon mon cœur de rebelle, ne reflète pas la vraie vie.

Pour éviter l'ennui, je me refuge dans le cinéma, où j'apprends les différentes manières de raconter des histoires. Pour moi ce n'était pas bien différent de la musique. Tout était en fait une question de rythme, d'énergie, de couleurs, de compositions et d'équilibre. Malgré ma passion pour la musique, j'ai vite compris que j'avais plus de facilité à m'exprimer visuellement que musicalement.

Quelques années plus tard je me retrouve donc à Montréal avec un Baccalauréat en Études Cinématographiques de la Faculté des Beaux Arts de l'Université de Concordia avec lequel je n'ai encore rien fait. Vous vous demandez pourquoi? Voilà la réponse. Une chose très importante se produit lors de ma dernière année à Concordia : un cours d'université change littéralement ma vision du monde. Qui aurait crû, certainement pas moi!

Je choisis de prendre un cours complémentaire sur le VIH/Sida. Étant ouvertement gai, je me suis senti curieux mais surtout concerné. Dans ce cours, on m'oblige à faire du bénévolat dans une résidence pour gens séropositifs. Mes peurs ont instantanément été mises à nue, mes préjugés bousculés et provoqués. Je rencontre des hommes, des femmes de tout âge, de toutes origines et classes sociales atteints par cette épidémie. Une semaine un résident est en pleine forme, la semaine suivante il est mourant. Je me suis donc dit : Patrick, tu dois faire quelque chose!

Pour souligner la fin de l'année, les coordonateurs du cours nous ont donc demandé de monter une exposition d'art reliée à la cause du VIH. Voilà donc une belle opportunité de faire un film pour l'évènement. C'est précisément à ce moment-là que ma caméra décide de me laisser tomber. Tout d'un coup je viens de perdre mon œil artistique. Étudiant pauvre, je décide donc de faire les choses autrement. Je prends alors mon crayon et commence à dessiner les choses que j'aperçois autour de moi; des édifices qui s'envahissent les uns les autres, des visages tristes et déchus, des jeunes de la rues etc. La création du beau pour du beau, à ce point, me semble inutile.

Je fais donc de la recherche sur l'art engagé. Je découvre des artistes comme Robert Crumb, Keith Haring, ainsi que l'art des années 80 directement en lutte contre l'inaction des gouvernements face à la crise du VIH/Sida. Je regarde de nombreuses affiches créées par plusieurs artistes et mon inspiration pour le tout de mon projet artistique est venue de ces œuvres. Je me suis dit : Voilà, je vais faire pour l'exposition six affiches à saveur engagée qui parleront des thématiques abordées lors du cours : VIH, prostitution, toxicomanie, absence d'éducation sexuelle etc.

Résultat : sur les six œuvres que je présente à l'exposition SIC, trois sont vendues immédiatement. Le journal de l'université choisis une de mes œuvres pour publiciser l'évènement. J'ai à ce moment vite compris que l'affiche (ou le poster art) était le médium parfait pour exprimer ma vision du monde. L'affiche étant fréquemment utilisée par les médias et les grandes compagnies pour la vente de leurs produits, je me suis dit que par ironie, je pourrais utiliser l'affiche pour dénoncer le vide de notre société de consommation. J'observe donc autour de moi et j'étudie les panneaux publicitaires et leurs notions de graphisme (textes stratégiquement placés, couleurs vives et accrocheuses, thématiques hypersexués etc.) En associant ces notions avec mon style naïf, voir presque dessin pour enfants, j'arrive à explorer des thèmes adultes et tabou peu populaire auprès du publique.

En 2006, je présente une quinzaine d'œuvres au Festival International Montréal en Arts, une célébration extérieure d'arts visuels. Je me souviens aujourd'hui d'un passant en particulier, qui en s'approchant de moi me dit : J'adore ce que tu fais, mais je t'avertis : Tu vas avoir beaucoup de misère à vendre ce que tu fais, car ton travail parle de quelque chose! Effectivement je n'ai fait que 2 ventes à cet évènement, mais les deux pièces vendues sont aujourd'hui dans le bureau d'une intervenante sociale travaillant en toxicomanie. Lors de la clôture du Festival, les membres du jury m'ont décerné une mention d'honneur pour l'ensemble de mes œuvres. Effectivement, mon travail parle de quelque chose, et à bien y penser, c'est ma plus grande fierté.

P'tite culotte
Acrylique sur toile,
33 x 22cm
550$

Musicien polymorphe ;
peintre du dimanche perdu dans la semaine des quatre Jeudis ;
solitaire heureux ;
lecteur névrotique ;
autodidacte en tout ;
Mat travaille depuis plus d'une quinzaine d'années sur une immense fresque baroque, en constante évolution, ou sont portraituré des centaines, d'artistes, de philosophes, d'écrivains, et de scientifiques…) Une sorte d'encyclopédie déplié, sa bibliothèque idéal, en constante évolution (elle atteint déjà une vingtaines de mètres de longs).
Archiviste obsessionnelle, iconoclaste iconophile, historien fou, il tente de rivaliser seul, avec Wikipédia, … manuellement pour ainsi dire…
En ses temps d'inculture généralisé, il soutien que la philosophie peut " nuire a la bêtise ", que la vérité est dans les livres, que la musique est pouvoir de dire " oui au monde ", et que, l'art est le " propre de l'homme "

ce qui le fait persévérer dans son être, sa tâche la plus noble…

Cancan 2
Cancan

L'érotisme rencontre l'art (Legs)

Dans les oeuvres de Patricia, l'érotisme rencontre l'art en jouant avec la couleur et la répétition.
En épluchant l'image couche par couche : les vêtements, la couleur de la peau, la culture et la tradition, elle transforme le corps de manière surréaliste, afin on le perçoit comme un objet d'art résultant de sa forme et sa beauté.

Chaque couleur dévoile un état et une émotion spécifique. En répétant le même sujets, mais avec des couleurs différentes, on change la perception du spectateur et les émotions qui en dégage. Le mélange de différentes couleurs crée une émotion unique, un état spécifique à l'image où l'on perçoit, dans les oeuvres de Patricia, des corps nus se transformant en autre chose d'un simple objet d'excitation.

Démarche
Patricia Pastore crée des images minimalistes et élégantes. Elle fait le portrait de ses sujets avec une clarté visuelle que seule la caméra peut nous dévoiler. Elle capte, tout simplement, l'invisible.

En studio ou ailleurs, Patricia transforme, avec sa caméra, notre perception de la réalité, elle nous révèle une autre dimension qui peut être perçue de milles et une façon par les spectateurs; ce sont des images très subjectives. Elle nous présente des images d'une manière non conventionnelle et transforme le référent, afin de nous transmettre une oeuvre qui va au-delà de la réalité.

Donnant tout son temps au monde de l'art, Patricia travail depuis sept ans sur la production d'un film indépendant et depuis trois ans, elle est photographe professionnelle à Munich, à Londre. Son dernier film «Loneliness never walks alone» a gagné un «Award». Il a été dirigé pas Roland Reber. L'équipe de «WTP international» on fait jouer ce film en première au prestigieux «Fantas Porto, film festival» (Portugal), en Mars 2008 au «Cannes film market» (France), puis au «Festival international de cinema de Catalunya» (Espagne). Finalement, du 8 au 19 octobre 2008, il a été projeté au «Festival du nouveau cinéma de Montréal»

Aujourd'hui elle prépare la seconde partie de la trilogie de photographies «Beauty beyond death» en lien avec la prochaine production cinématographique «The dirty bit of life».

Démarche

Claude Sabourin, Producteur d'existence

Depuis 1960, il fait des expositions de peintures et sculptures dans des galeries et musées. à Montréal, Québec, New-York, Prague, Brésil, Espagne, Italie, sur des thèmes de paysage, marine, nue, etc.

À l'Université du Québec à Montréal, depuis sa fondation en 1969 il a été professeur de scénographie : décor, costume, aspect visuel du spectacle. Il a été scénographe de plusieurs productions de théâtre expérimental : Apprentis-sorciers, et institutionnel : Théâtre Populaire du Québec, etc., de danse moderne : Groupe Artscène, Compagnie Eddy Toussaint, etc. et de cinéma : ONF

Il a fait de la recherches et création sur l'espace théâtrale et le théâtre de l'objet. Il a réalisé des séries de peintures sur " L'être entrouvert : Masque et fourberie ", sur la sculpture et l'espace, sur l'objet et l'espace, etc.

Commissaire à la Quadriennale de Prague en ´87 et ´91. Il a exposé des projets de scénographie.

Invité à la Biennale de Sao Paolo en ´91. Il a exposé des peintures sur le thème de l'espace théâtral.

Claude Sabourin, producteur d'existence

Caught In The Act, 2005
Photographie giclée sur papier
Edition limitée de 5
11" x 14"
700$

Démarche

Literary or artistic items having an erotic theme treating sexuality in a sensuous or voluptuous manner.

My curiosity about erotica as a stylistic approach came from wanting to constantly challenge myself as an artist; these photographs are a result of my explorations into self-portraiture. The idea of creating a complete scenario for each image, placing myself in the center of an imaginary story, using props, lighting, my own body expressions to convey what words could not was an exercise in communication – a different language in a different medium.

It has become my goal to put the sensual elements back into sexual, and the essence of Eros back into erotica.

Let the adventures begin !

Démarche

Jacek Tomczak est ne au Pologne en 1962.Immigre a Montréal dans années 80. Passionne par les arts, il consacre son temps depuis quelques années à la sculpture en terre cuite toute en intégrants le travail en métaux.

La majorité des sculptures sont en terre cuite, sous un procède d'oxydation pour donne différente teinte a la finition de celle-ci. Cependant, quelques oeuvre sont également travaille dans les bois et en ciment. L'abilité à travailler les métaux donne une opportunité a agencer et l'intégrer avec ses différentes sculptures.

Démarche

The Graphic Artist, Gérard Vachez, is a native of France. He was born in Brittany in 1961. His strong desire to study art led him to a Degree in Plastic Arts & Graphic Design in 1984. Through his educational training he gained expertise in the traditions of painting, sculpture, photography.

A customary painting exhibition was his first experience with the public at the end of his studying years. Shortly after graduation, Gérard took a huge leap to the African Continent where he was hired by the French Government to organize the artistic component of the Bujumbura's Cultural Center in Burundi - Central Africa.

Démarche

Carolyn Weltman is a mixed-media artist who uses oils, watercolours, charcoal, graphite and gesso as well as her computer to illustrate her innermost thoughts, poems and ideas. Until recently, her erotic art has been a constant fixture on the streets of New York's famous Soho art district and in Union Square since 1998. Carolyn is a persistent warrior, determined to bring her art directly to the people.

MERCI DE VOTRE VISITE